Chico y Rita

Título: Chico y Rita

Título Original: Chico & Rita

Género: Animación, Musical

Nacionalidad: España, Reino Unido

Año: 2010

Director: Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando

Guión: Fernando Trueba, Ignacio Martínez de Pisón

Reparto: [Voces] Mario Guerra, Limara Meneses, Eman Xor Oña, Estrella Morente, Bebo Valdés

Sinopsis: En la Cuba de finales de los años cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche que el destino los junta en un baile en un club de La Habana, la vida va uniéndoles y separándoles, como a los personajes de un bolero.

Fecha de Estreno: Viernes, 25 de Febrero de 2011

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Cisne negro

Título: Cisne Negro

Título Original: Black Swan

Género: Thriller Psicológico

Nacionalidad: USA

Año: 2010

Director: Darren Aronofsky

Guión: Mark Heyman, John McLaughlin, Andrés Heinz

Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Sebastian Stan, Kristina Anapau, Ksenia Solo, Toby Hemingway, Janet Montgomery, Christopher Gartin, Marcia Jean Kurtz


Sinopsis: Narra la historia de Nina (Natalie Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Mila Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

Fecha de Estreno: Viernes, 18 de Febrero de 2011

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Winter's Bone

Título: Winter's Bone

Título Original: Winter's Bone

Género: Drama, Thriller

Nacionalidad: USA

Año: 2010

Director: Debra Granik

Guión: Debra Granik, Anne Rosellini

Reparto: Jennifer Lawrence, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Valerie Richards, Shelley Waggener, Garret Dillahunt

Sinopsis: Basada en la novela de Daniel Woodrell.

La adolescente de 17 años, Ree Dolly (Jennifer Lawrence), se embarca en la búsqueda desesperada de su padre, que desapareció tras haber puesto el dinero de la casa familiar para pagar su fianza. Si no lo logra, perderán su casa y ella y su familia serán devueltos a los bosques Ozark. Desafiando el código de silencio y las amenazas y arriesgando su vida para salvar a los suyos, Ree Dolly descubrirá que entre lo que ve y lo que oye se esconde la verdad que no quieren que conozca.

Fecha de Estreno: Viernes, 11 de Febrero de 2011

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Valor de Ley

Título: Valor de Ley

Título Original: True Grit

Género: Drama, Western

Nacionalidad: USA

Año: 2010

Director: Joel Coen, Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen

Reparto: Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Hailee Steinfeld

Sinopsis: Basada en la novela de Charles Portis.

El padre de la niña de catorce años Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es asesinado de un disparo a sangre fría por el cobarde Tom Chaney (Josh Brolin), y ahora ella está dispuesta a hacer justicia.

Buscando la ayuda del jefe de policía Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un borracho de gatillo fácil, se marcha con él -a pesar de su oposición- para atrapar a Chaney. La sangre vertida de su padre le hace perseguir al criminal hasta el territorio Indio y encontrarle antes de que el Ranger de Texas llamado LaBoeuf le atrape y lo lleve de vuelta a Texas por haber asesinado a otro hombre.

Fecha de Estreno: Viernes, 11 de Febrero de 2011

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The Fighter

Título: The Fighter

Título Original: The Fighter

Género: Drama

Nacionalidad: USA

Año: 2010

Director: David O. Russell

Guión: Scott Silver

Reparto: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack McGee, Dendrie Taylor, Jenna Lamia

Sinopsis: Inspirada en una increíble historia real, nos llega la áspera pero cariñosamente humorística historia del regreso de un héroe del boxeo poco común: Micky Ward “El Irlandés” (Mark Wahlberg) y de su hermanastro, Dicky Eklund (Christian Bale), quienes tuvieron que enfrentarse como contrincantes antes de unirse como hermanos en una dura pelea para ganar un importante campeonato y fortalecer sus lazos familiares.

La historia comienza cuando Dicky, orgullo de la ciudad que una vez peleó ferozmente contra Sugar Ray Leonard, se enfrenta a tiempos difíciles. Mientras tanto, Micky se ha convertido en el luchador de la familia, con su incipiente carrera en manos de su madre Alice (Melissa Leo). Sin embargo, a pesar de su gran gancho izquierdo, siempre lo castigan en el ring. Cuando la más reciente lucha de Micky casi lo mata, es persuadido por la voluntad de hierro de su nueva novia, Charlene (Amy Adams), de hacer lo impensable: separarse de su familia, perseguir sus propios intereses y entrenar lejos de su problemático hermano.

Entonces, se le presenta a Micky la oportunidad de su vida en una pelea por el título, pero pronto queda claro que hará falta la fortaleza de su hermano y de toda la familia para que llegue allí. Desafiando a los detractores, apuesta por una decisión que traerá nuevamente a Dicky, Charlene, Alice y toda la familia Ward/Eklund a su esquina del ring y dará como resultado una de la cadenas de victorias más sorprendentes de este deporte. De la nada, Micky se convertirá en un campeón, conocido como un luchador resistente y leal que peleó la batalla más difícil de todos, por su familia.

Fecha de Estreno: Viernes, 04 de Febrero de 2011

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2012




Pensaba yo que 2012: Doomsday, era un mal film que sería superado ampliamente por esta 2012 de Roland Emmerich (Soldado Universal, Independence Day, El Día de Mañana), pero me equivoqué. El susodicho supera a la versión de los chicos de The Asylum, pero sólo en el apartado técnico, pues el resultado final es un producto de dos horas y media donde lo único salvable son sus espléndidos FX, a pesar de que están al mismo nivel de majadería que el resto del film.

El guión de 2012 es el principal lastre que la película lleva consigo, gracias a una incompetencia alarmante que impide crear situaciones con un mínimo de sentido, a la vez que sazona la historia con diálogos de baratillo que no pegan ni con cola con lo que se nos pretende narrar y se olvida de su interesante premisa a los pocos minutos de metraje Además, el trazado de los personajes tampoco es que sea un alarde de innovación, dado que se venden miserablemente a los más trillados tópicos, por lo que la película funciona sólo en el caso de que aceptemos que somos testigos de lo idiota en su expresión máxima. Montones de escenas no sirven más que para provocar la risa histérica en el espectador, aterrado ante la imbecilidad de lo que está viendo, gracias a que los responsables de este mastodóntico bodrio no tienen muy claro el concepto de espectacularidad. Sólo nos queda disfrutar de la apoteósica destrucción del mundo, ya que un concepto tan importante como es un buen guión se pierde totalmente en el afán de mostrarlo todo de la manera más exagerada posible. Cierto es que el cine de Emmerich tiene de todo menos lógica, ya que si nos acordamos de determinados momentos de Independence Day, podemos echarnos las manos a la cabeza (y eso que aquella cinta me gustó), pero con esta película he alcanzado mi límite, y existen niveles de majadería que me resisto a aceptar, especialmente si incluyen escenas con el típico niño ostiable.

2012 podría definirse como el típico producto millonario con pretensiones a las que no se puede ni acercar, un mero ejemplo de anti-cine palomitero completamente vacío e incluso insultante, preparado para que los espectadores acudan en masa a la sala de cine y salgan de ella con un sentimiento contrario a lo que su director pretendía lograr. Y es que no vale para nada tener a un buen puñado de competentes actores entre los que están John Cusack o Danny Glover si no se saca más partido a los personajes que interpretan, y si la historia que se nos cuenta es tan abrumadoramente imbécil.

La duración de 2012 es otro punto a tener en cuenta: es excesiva, y aunque al menos la cinta tenga la decencia de lo aburrir, dicha virtud sólo es debida a su capacidad para producir vergüenza ajena. ¿Qué más queda? Pues poco, muy poco, por lo que esta nueva entrega de cine catastrofista puede ser considerada como un blockbuster muy poco recomendable con dosis muy limitadas de cine que ofrece lo que muchas películas ofrecen hoy día: una visita al cine cuya única consecuencia es la pérdida innecesaria y dolorosa de casi ocho euros.

En resumidas cuentas, la nueva película de Roland Emmerich es un paquete de espectaculares efectos especiales puestos al servicio de la nulidad cinematográfica más atronadora.


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El discurso del Rey

Título: El Discurso del Rey

Título Original: The King's Speech

Género: Drama Histórico

Nacionalidad: Reino Unido, Australia

Año: 2010

Director: Tom Hooper

Guión: David Seidler

Reparto: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Jennifer Ehle, Guy Pearce, Derek Jacobi, Timothy Spall, Michael Gambon, Anthony Andrews

Sinopsis: Tras la muerte de su padre, el rey Jorge V (Michael Gambon), y la escandalosa abdicación del príncipe Eduardo VII (Guy Pearce), Bertie (Colin Firth), afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel (Helena Bonham Carter), la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue (Geoffrey Rush). A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill (Timothy Spall), el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Fecha de Estreno: Miércoles, 22 de Diciembre de 2010

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En tierra Hostil



Título original: The Hurt Locker
Género: Drama, Thriller, Bélica
País: Estados Unidos
Estreno en España:
29 Enero 2010
Dirección:
Kathryn Bigelow
Interpretación:
Ralph Fiennes
Guy Pearce
Jeremy Renner
Brian Geraghty
Christian Camargo
Anthony Mackie
Malcolm Barrett
Michael Desante
Kate Mines
Sinopsis:
“En tierra hostil (The hurt locker)” narra el intenso día a día de un comando especializado en desactivación de explosivos durante la guerra de Irak liderado por el sargento Thompson. Cuando éste fallece en el transcurso de una misión, la unidad queda al mando del impredecible y temerario sargento James. El imprudente comportamiento de éste hará que sus dos subordinados, el sargento Sanborn y el especialista Eldridge, valoren seriamente el riesgo que corren en su trabajo y se planteen si realmente merece la pena continuar. Cuando una misión rutinaria en una ciudad se convierta en una auténtica ratonera para James y sus hombres, la verdadera personalidad del sargento aflorará, haciendo que sus vidas cambien para siempre.
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invictus


Título original: Invictus
Género: Biografía, Drama, Histórico, Deportiva
País: Estados Unidos
Duración: 133 minutos
Estreno en España:
29 Enero 2010
Dirección:
Clint Eastwood
Interpretación:
Morgan Freeman
Matt Damon
Tony Kgoroge
Patrick Mofokeng
Matt Stern
Julian Lewis Jones
Adjoa Andoh
Marguerite Wheatley
Leleti Khumalo
Patrick Lyster
Penny Downie
Sinopsis:
Basada en el libro de John Carlin The Human Factor: Nelson Mandela and the Game That Changed the World, Invictus cuenta la verídica e inspiradora historia de cómo Nelson Mandela (Morgan Freeman) unió sus esfuerzos con el capitán del equipo de rugby de Sudáfrica, Francois Pienaar (Matt Damon), para ayudar a unir el país.

El recién elegido Presidente Mandela es consciente de que su nación sigue estando dividida tanto racialmente como económicamente debido a las secuelas del apartheid. Creyendo que puede unir a su pueblo a través del lenguaje universal del deporte, Mandela apoya al desamparado equipo de rugby de Sudáfrica cuando, con pocas probabilidades, participa en el Campeonato Mundial de 1995.
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Avatar

No vamos a lamentarnos por la cantidad de años que Cameron se ha mantenido alejado de las salas comerciales. Preferimos regocijarnos por el hecho de que haya regresado al redil sin defraudar. Cameron, que siempre se apunta al carro de la modernidad, esperó 10 años porque la tecnología aún no había evolucionado lo suficiente como para poder satisfacer sus deseos cinematográficos. Ahora, tras esa larga gestación, por fin podemos disfrutar de Avatar, la epopeya galáctica en 3D que supone una revolución en el cine tal y como lo conocemos. Damos fe.

Jake Sully es un ex-marine en silla de ruedas que, a pesar de su cuerpo tullido, todavía es un guerrero de corazón. Jake ha sido reclutado para viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra. Al ser tóxica la atmósfera de Pandora, ellos han creado el programa Avatar, en el cual los humanos "conductores" tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Estos cuerpos están creados genéticamente de ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na'vi. Ya en su forma avatar, Jake puede caminar otra vez. Ha recibido la misión de infiltrarse entre los Na'vi, los cuales se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero una bella Na'vi, Neytiri, salva la vida de Jake, y todo cambia.

Vale, sabemos que esta historia no es nueva. Pero tampoco lo era la de Titanic y arrasó en todo el mundo. Más allá de tópicos típicos, la historia funciona como un tiro, tiene un ritmo trepidante y no da ni un solo respiro al espectador. Los personajes, algunos más que otros, crean empatía y desde luego te llevan con ellos en su aventura durante las dos horas y cuarenta minutos del metraje, algo más de lo que consiguen algunas otras cintas de acción y aventura. Desde luego labor de los actores, por supuesto, pero también gran mérito de Cameron, que demuestra en su regreso que sigue en plena forma y cada vez más ambicioso técnicamente.

Aunque la verdadera revolución viene de la mano de la técnica del 3D y los efectos especiales y visuales. Tal es la magnitud del salto cualitativo, que se podría comparar a presenciar una proyección de El Cantor de Jazz, de la primera película en color, o incluso de la primera película en formato panorámico. Por mucha palabrería que use, no sería capaz de explicaros lo que supone poder distinguir decenas de profundidades diferentes en un solo plano dependiendo del objeto, o, lo que es lo mismo, un 3D de verdad, una tercera dimensión en la que cada elemento presente en el plano tiene su propia profundidad. Una verdadera 'ventana' a otra realidad.

Una tecnología que deja muy atrás a otras película que pretenden utilizar el 3D de forma hiperrealista, como Robert Zemechis en sus tres últimos filmes, que, a pesar de correr con su mérito, no pueden alcanzar este nivel de perfección, y que tardará en volver a verse, dado lo laborioso del proceso. En cualquier caso, Avatar está en la calle para marcar un antes y un después en la historia del cine y, desde luego, como acontecimiento o como hito tecnológico, lo ha conseguido.

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INSIDE JOB (2010). Charles Ferguson. Documental

Los documentales poseen una extraña concurrencia de espectadores. Tienen una entidad propia y, en ocasiones, su dinámica sobrepasa las expectativas de su dimensión. “Inside Job” es sin lugar a dudas una de las mayores sorpresas que me he llevado en mi vida de espectador de cine. Conocía la importancia de su tema, también sabía que su denuncia abarcaba todo el orbe económico y financiero, pero nunca llegué a pensar que me afectaría de una forma tan directa al comprender que nuestras perspectivas son manejadas por un reducido grupo de personas que tienen el control y conducen las escasas posibilidades que tenemos para nuestra independencia económica.

Dividida en cinco capítulos, “Inside Job” nos demuestra en imágenes la crisis más terrible que ha padecido Estados Unidos, y por ende, Europa y parte de Asia. Ferguson analiza, razona, denuncia y desvela el comportamiento corrupto de un grupo de bancos y de inversión norteamericanos, el origen de la crisis de las Subprime y de los bonos tóxicos. “Lehman Brothers”, “Merrill Lynch” y el mayor grupo de inversión de EEUU “Goldman Sachs”, son mostrados a través de sus más importantes ejecutivos. Ahí se puede ver hasta donde puede llegar la codicia del ser humano, aunque para ello tenga que arruinar al conjunto de trabajadores que han invertido sus ahorros en la compra de una casa o un terreno. La serie de entrevistas a Ejecutivos de los bancos que tuvieron que venderse o quebrar, los economistas más representativos en el área de negocios de Wall Street, los personajes que dirigían el Fondo Monetario Internacional (FMI), los directivos de la Reserva Federal estadounidense, los directores de las Universidades de Harvard, Columbia, etc., todos presentados desde distintas ópticas pero en una compacta intencionalidad denunciadora. ¿Qué ha ocurrido para qué la economía mundial se haya hundido por mor de unas entidades financieras desaprensivas y faltas de cualquier pudor y vergüenza? Pies bien, Ferguson nos lo presenta de una manera directa y sin ambages y con una crudeza que causa escalofríos. “Inside Job” es un documental denso, complejo en su definición, lleno de datos esclarecedores, con entrevistas cuyas palabras de los entrevistados se explican por sí solas. ¿Qué hace que el documental posea la fuerza y la intensidad de sus argumentos, hasta desbordar tu incredulidad? La denuncia que emana de sus imágenes: el cinismo con la que habla Hank Paulson, que dirigió la oficina de la Reserva Federal y que supo desde el primer momento la crisis que se cernía sobre la economía mundial a través de la utilización de los bonos tóxicos. Cómo los ejecutivos de “Goldman Sachs”, “Lehman Brothers” y “Merrill Lynch”, ocultaron, intencionadamente el maremoto que iba arribando a las costas de todos los países desarrollados, para su propio beneficio. Cómo estos mismos ejecutivos recibieron por parte de los bancos y grupos de inversión suculentos y extraordinarios premios, hasta el punto que unos de esos ejecutivos, recibió un premio de 48 millones de dólares. El cinismo con la que Hank Paulson describe su intervención en la problemática de la crisis refleja hasta que punto las autoridades monetarias norteamericanas fueron instrumentalizadas por los empleados de la Administración, entre ellos el Secretario del Tesoro. El gobierno Bush, como más tarde el gobierno Obama, hicieron oídos sordos de las amenazas que se iban acercando a sus lares; Europa no desconocía tampoco la amenaza de la tempestad. En el último acto del documental, aquel en la que se pide responsabilidades, Ferguson nos descubre que aquellos mismos que crearon la gran estafa económica, eran reclutados por la Administración Obama en puestos claves de la Reserva Federal y en el departamento del Tesoro. ¿Qué cruel paradoja?

¿Y qué ocurría entre la grey política española? Pues ni más ni menos que conocer de primera mano a través de sus informadores internacionales la situación que iba a modificar el comportamiento bancario español. Desde Rodrigo Rato, un alto directivo del Fondo Monetario Internacional, hasta el Ministro Solbes, incurrían en el arcano de lo que estaba pasando. Eran conscientes del descarrilamiento que desembocaría la desmesurada burbuja de la construcción, auspiciada por el tratamiento de manos abiertas de la banca y las cajas de ahorro. Ocultando deliberadamente la crisis que ya se situaba en nuestro país, nuestros gobernantes llámese Zapatero como Rajoy, establecían un cordón sanitario que no afectase los grandes capitales bancarios. Mintiendo descaradamente, manifestando la buena salud de nuestra política bancaria, la izquierda, mucho más culpable, por el hecho de gobernar en esos momentos, como la derecha escondían la quiebra o el desmoronamiento del sistema financiero español al estar apoyando el comportamiento de los brokers allende nuestros mares. Pero la gravedad sustancial de estos hechos radica en la mentira sistemática que se iba produciendo en el Gobierno socialista, afirmando que este tipo de crisis era culpa de desaprensivos especuladores extranjeros (sic) y eso nos había movido nuestro sólido sistema financiero. Sin embargo, en noticias de la city londinense se comentaba que un banco tan prestigioso como el Santander, santo y seña de nuestro sistema, estaba embarrancado en la vorágine de la crisis y sólo gracias a una ayuda estatal, jamás desvelada por el Gobierno socialista, pudo evitar una situación muy peligrosa para todo el andamiaje económico.

Cuantas y cuantas historias nos han ido contando como Flautista de Hamelin, llevando a la buena gente que perdió patrimonio y los llevó al paro, al fondo del mar para ahogarlos y que así no pudieran reclamar y protestar. Esto y mucho más es lo que nos cuenta Charles Ferguson, en su extraordinario documental “Inside Job”. Sólo nos queda la perplejidad de no entender como los medios de comunicación de izquierdas y derechas (El País, El Mundo, Público, ABC, La Razón, COPE, SER, Onda Cero, etc), nos han ido enmascarando la realidad de una crisis y de sus consecuencias. Sabemos que las campañas de publicidad van paliando las buenas intenciones, por todo ello creemos que en ocasiones el cine es el arte que con mayor libertad denuncia la actuación de políticos, comunicadores, economistas de Harvard, economistas de Universidades españolas y gurus que aparecen sentenciando constantemente la dirección que debe tomar nuestro comportamiento social y cotidiano. “Un mundo feliz”, de Huxley, en nuestros días sería un cuento infantil, comparado con lo que ocurre ahí fuera, ¿o no?
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JULIE LONDON

Julie London, nacida Julie Peck, en Santa Clara, California, en la que vio la luz el 26 de septiembre de 1926. Reputada cantante de blues, muy pronto es captada para el cine por su belleza y gran sensualidad. Debuta en 1944, en un pequeño papel en el filme “Jungle Woman”, de Reginald LeBorg. Más tarde, en los años cincuenta, alterna el cine con la grabación de temas musicales, entre los que destacan canciones de Johnny Mercer. “Puente de mando” (1949), de Delmer Daves, representa su primer título importante en su filmografía, que enlaza con “Cenizas de odio” (1957), de Hall Bartlett; “Más rápido que el viento” (1958), de Robert Parrish, con guión del célebre guionista Rod Serling y Robert Taylor como primer actor; El hombre del oeste” (1958), de Anthony Mann, con Gary Cooper y sin duda su mejor película; “Más allá de Río Grande” (1959), también de Robert Parrish, con un actor de la que se dice que tuvo una aventura: Robert Mitchum y con “¡Alló...! Le habla el asesino” (1961), un notable thriller, dirigido por Hubert Cornfield, Julie London cierra la selección de sus mejores películas. En los últimos años, apareció asiduamente en series de televisión. Quizás, no alcanzó la popularidad que se merecía a causa de preservar su intimidad de los cotilleos del mundo del cine.

Estuvo casada con el actor, director y guionista, Jack Webb (1945-53), años después, en 1963, repetía matrimonio con el actor de televisión, Robert Troup. Julie London fallecía el 18 de octubre de 2000, a los setenta y cuatro años .

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SIDNEY LUMET

NO DIGAIS AL DIABLO QUE HA MUERTO SIDNEY LUMET

Henry Fonda decidió escoger a Sidney Lumet para “Doce hombres sin piedad”(1957), ya que concurría en él elementos de su trayectoria en el mundo de la televisión que no habían pasado desapercibidos. Era un conocedor extraordinario del mundo televisivo; en lo externo y en lo interno. Trabajaba rápido y bien, y eso convenía a los intereses económicos de Henry Fonda. Su peculiar tacañería sobresalía casi tanto como sus grandes recursos como gran actor, pese al hecho que Lumet reconoció que Fonda estuvo soberbio en su papel. (El coste del filme fue de 343.000 dólares y veinte días de rodaje). Reginald Rose se puso a su disposición siendo el co-productor y autor de la obra televisiva. Lumet sólo exigió una cosa, poder seleccionar a los actores que intervendrían en el filme. “Importante escollo”, le replicó Fonda. Éste quería un determinado elenco de actores, buenos y baratos. Sin embargo, Sidney Lumet sabía que sin buenos actores la película podría agarrotarse. Fonda, Rose y Lumet, tuvieron muchas alternativas, hasta el punto que Lumet dejó el proyecto y se fue a su casa. Finalmente, Henry Fonda y Reginald Rose, aceptaron todas las premisas de Lumet, al darse cuenta que el conjunto de actores previstos daban un equilibrio más aceptable que la realización que hiciera para televisión Franklin J. Schaffner, el 20 de septiembre de 1954, con Robert Cummings, Franchot Tone, Edward Arnold, Walter Abel, Norman Fell, Paul Hartman, etc. Así, Lumet, entraba en el mundo del largometraje por la puerta principal.

Imbuido de una clara concienciación social, característica del grupo de la generación televisiva, a Lumet le costó encontrar el camino elegido, al adaptar obras teatrales de Akins, Williams, Miller, O’Neill con resultado desigual. Es a través de “El prestamista” que recobra su inspiración al ofrecer un punto de vista sobre aquellos que han vivido una penosa experiencia con el holocausto. “La colina”, una interpretación antimilitarista auspiciada por brillantes actores británicos, para más tarde repasar con distintos resultados films que consolidan una carrera independiente y sin ataduras con las majors, hasta llegar a la que para mi me parece su mejor filme: “Network” (1976), un espectacular diorama en la que afloran todos los males que una cadena televisiva norteamericana ofrece a su telespectadores y que se adelanta a su tiempo a lo que es actualmente la televisión de nuestros pecados. Brillante disección, con un guión extraordinario de Paddy Chayefsky (no en vano su trayectoria estuvo ligada siempre a la televisión), de las tripas de un canal que pierde audiencia y que unos directivos sin escrúpulos intentan levantar. A destacar que Lumet y Chayefsky se anticiparon en más de treinta años a la situación que podemos ver todos los días en nuestros hogares.

Fue un director notable y pleno de recursos, a pesar de que no se consideraba un intelectual. Su trabajo como realizador estuvo implicado en lo especifico cinematográfico: los movimientos de cámara, el montaje, la interpretación (trabajó con los más grandes: Brando, Newman, Fonda, Connery, Katharine Hepburn, Richardson, Steiger, Mason, Pacino, Finney, Bacall, Ingrid Bergman, Holden, Dunaway, Burton, Duvall, Finch, Caine y muchos de ellos en varias ocasiones), con el guión confiaba en sus escritores y resolvía con acierto los problemas que se derivaban en la escritura. En los últimos tiempos se sentía desilusionado al comprobar que su mundo se desmoronaba y encontraba a faltar a los viejos prohombres que hicieron del cine un arte respetable por el público y la crítica.

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EL INVITADO DE LA QUINCENA

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UN DIOS SALVAJE - Nuevo trailer

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"LAURA" OTTO PREMINGER

¿Realmente que pasó con la película “Laura” de Otto Preminger?

Existen dos puntos de vista respecto a las incidencias que ocurrieron durante el rodaje de “Laura”. Una, corresponde al primer realizador que tomó los mandos del rodaje de la película: Rouben Mamoulian, éste fue elegido por Darryl Zanuck, en aquellos momentos presidente de la Fox, para que llevara a cabo la dirección del filme. Mamoulian no creía en el guión de Jay Dretler y más tarde de Samuel Hoffenstein. Desde el primer momento se quejó a Zanuck, ya que consideraba detestable la elección de actores y la planificación del rodaje. Otto Preminger, ejercía de productor al comprar la novela de Vera Caspary y había intervenido en el plan de rodaje y en el casting. La situación llegó a una tensión tan lamentable que Mamoulian decidió abandonar el proyecto y cargar toda la culpa a Preminger -entre ellos no se llevaban bien-. Zanuck pidió revisar lo rodado hasta aquel momento y una vez visionado anular la producción. El primer problema venía por el hecho de que Mamoulian estaba en contra de Clifton Webb y durante lo poco que se rodó hubo enfrentamientos entre ellos. Preminger, que aseguraba que la película sería un éxito, e insistió en su bonanza, hizo que Zanuck, un poco harto de Preminger, accediera a darle la dirección de la película con el consiguiente aviso de que si fracasara en el empeño sería despedido. Otto Preminger modificó algunas secuencias que rodó Mamoulian, hizo recobrar la confianza en Clifton Webb -éste hacia su debut en la pantalla grande; era un gran actor de teatro-, ajustó el papel de Judith Anderson, estimulóla actuación de Gene Tierney y Dana Andrews. Desde ese momento todo funcionó de maravilla. Pero… faltaba la proyección para el “jefe” Zanuck. Llegó el momento y Darryl Zanuck invitó a su íntimo amigo Walter Winchell -el periodista columnista más famoso de Estados Unidos-, a la proyección. El coro de aduladores que siempre acompañaban a Zanuck, se distribuyeron estratégicamente para alentar lo que dijera el “jefe”. Una vez acabada la película, Zanuck y su coro, dieron muestras de no haberles gustado el filme. Se levantaron con síntomas de desagrado. Zanuck al llegar a la altura de Winchell, le pidió su opinión, éste sorprendentemente, le dijo que era espléndida, magnífica y funcionaría en la taquilla. Además alabando la interpretación de Clifton Webb (que por cierto su papel era parecido al suyo, en la vida real) y que Gene Tierney, Dana Andrews, Vincent Pricey Judith Anderson estaban sobresalientes. OttoPreminger suspiró aliviado y pasó, así, a la historia del cine, como el director de “Laura”. Zanuck, que era un hombre agradecido, siempre tuvo a su lado a Preminger. Y los críticos no se resisten a considerar a “Laura” como una obra maestra. The End

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